L’évolution des jeux musicaux : des premiers rythmes aux accessoires et au déclin

Les jeux vidéo musicaux, ou jeux de rythme, forment un genre à part où l’interaction du joueur est intimement liée à la musique. Depuis les premières expériences ludiques basées sur le son dans les années 1970 jusqu’aux simulations d’instruments avec accessoires spécialisés, ces jeux ont connu un essor fulgurant, avant de traverser une phase de déclin. Ce dossier retrace chronologiquement l’histoire des jeux musicaux sur arcade, consoles de salon et portables, PC et mobiles, en soulignant les évolutions majeures du gameplay, l’apparition de périphériques emblématiques, les studios clés, ainsi que l’impact culturel et commercial du genre.

Vous retrouverez des liens vers nos articles et avis tout au long de la lecture.

I. Les précurseurs et débuts des jeux de rythme (années 1970–90)

1.1 Jeux électroniques et premières inspirations (années 1970–80)

Le concept de jeu de rythme puise ses racines dans des jouets électroniques de mémoire musicale. Un exemple marquant est Simon (Milton Bradley, 1978), un jeu électronique portable où le joueur doit reproduire des séquences sonores et lumineuses de plus en plus complexes. Simon applique le principe du « call and response » (appel et réponse) : l’appareil génère une mélodie que le joueur doit imiter sans erreur. Bien qu’il ne s’agisse pas d’un jeu vidéo à proprement parler, Simon est souvent cité comme l’un des premiers jeux électroniques à baser son gameplay sur le rythme et la mémoire musicale.

Dans l’univers du jeu vidéo, les premières incursions du rythme apparaissent dans les années 1980. Un pionnier est Dance Aerobics (Human Entertainment, 1987) sur NES, qui exploitait le Tapis Power Pad de Nintendo : le joueur créait des motifs musicaux en tapant des pas de danse sur le tapis, le jeu enregistrant ses mouvements pour produire du son. Cet usage d’un accessoire de détection de pas pour Dance Aerobics en fait l’un des tout premiers jeux vidéo basés sur le rythme corporel. D’autres jeux de cette époque intègrent la musique, mais souvent de manière périphérique. Il faut attendre le milieu des années 1990 pour voir émerger le jeu de rythme moderne tel qu’on le connaît.

1.2 L’émergence du genre sur consoles et en arcade (années 1990)

La fin des années 90 marque le véritable acte de naissance du jeu musical sur console, notamment avec PaRappa the Rapper (NanaOn-Sha/SIE, 1996 sur PlayStation). Ce jeu de rap haut en couleur est largement crédité comme le premier véritable jeu de rythme dans l’histoire vidéoludique. Son gameplay demande au joueur d’appuyer sur les boutons au bon timing en suivant des phrases musicales à l’écran – une mécanique simple de séquences à reproduire qui deviendra la base du genre. Le succès critique et commercial de PaRappa the Rapper a popularisé ce nouveau type de jeu musical, ouvrant la voie à une vague de titres centrés sur le rythme. Sur la même console, d’autres titres originaux suivent : Bust A Groove (Enix, 1998, connu initialement sous le nom Bust A Move: Dance & Rhythm Action) propose des duels de danse endiablés en utilisant le gamepad classique, combinant combat et danse avec une liberté de mouvement plus grande que les jeux de rythme linéaires.

Parallèlement, la scène arcade japonaise adopte avec enthousiasme cette nouvelle tendance. En 1997, Konami sort Beatmania en arcade, un jeu de DJ avec un contrôleur intégré imitant des platines vinyles et des touches de piano. C’est un succès surprise qui engendre la création de la marque BEMANI (du nom de Beatmania) au sein de Konami, consacrée aux jeux musicaux. Dès lors, Konami expérimente divers concepts : GuitarFreaks (1998, arcade) introduit la première guitare en plastique à gratter, Pop’n Music (1998, arcade) fait jouer sur de larges boutons colorés, et DrumMania (1999, arcade) met en scène une batterie électronique – ce dernier pouvant même se lier à GuitarFreaks pour des sessions en duo simulant un groupe. Ces bornes imposantes avec périphériques dédiés posent les bases du jeu musical avec instrument. Cependant, à l’époque, Konami n’exporte que peu ces machines hors du Japon, en raison du coût élevé de fabrication des accessoires et du prix de vente que cela impliquerait.

En 1998, un autre phénomène arcade voit le jour : Dance Dance Revolution (Konami), souvent abrégé DDR. Le principe est novateur et physique : le joueur danse sur un tapis à capteurs de pression en suivant des flèches directionnelles à l’écran, synchronisées sur la musique. DDR devient un phénomène planétaire, attirant un public large dans les salles d’arcade comme à domicile, où des tapis de danse sont vendus sur PlayStation. Contrairement aux GuitarFreaks ou DrumMania restés confidentiels en Occident, Dance Dance Revolution s’implante aussi bien au Japon qu’en Amérique du Nord ou en Europe. Konami devra d’ailleurs défendre légalement son invention face à des concurrents : le sud-coréen Andamiro sort en 1999 Pump It Up, variante à 5 flèches diagonales. Konami poursuivra Andamiro pour violation de son design de DDR, et de son côté Andamiro portera plainte contre Konami – un litige finalement réglé à l’amiable en 2000, dont les termes resteront confidentiels. Plus tard, Konami s’attaquera aussi à In the Groove (Roxor Games), un clone de DDR sur bornes modifiées, conduisant en 2006 au rachat de la franchise In the Groove par Konami après un accord juridique.

En dehors de Konami, d’autres acteurs innovent à la fin des années 90. Sega lance Space Channel 5 (1999, Dreamcast), un jeu de danse funky où la reporter de l’espace Ulala combat des aliens en reproduisant leurs pas de danse. Le gameplay s’apparente à un « Simon musical » : le jeu présente une séquence de mouvements (haut, bas, gauche, droite, “tir” ou “chu”) que le joueur doit imiter en rythme pour progresser. Space Channel 5 illustre la créativité de Sega dans le genre naissant, tout comme Samba de Amigo (Sega, 1999 en arcade puis 2000 sur Dreamcast). Ce dernier se joue avec deux maracas à détecteurs de mouvement que le joueur agite en cadence. Samba de Amigo permet à deux participants de jouer côte à côte et crée une véritable ambiance de fête, les observateurs pouvant apprécier le spectacle du joueur en train de danser. Sorti en 2000, Taiko no Tatsujin (Namco, 2000) transpose le concept aux percussions traditionnelles : le joueur frappe un tambour japonais (taiko) en suivant des symboles à l’écran. Le mélange de musique pop et de folklore séduit massivement le public japonais en arcade. Fort de ce succès, Namco adaptera le jeu sur console aux États-Unis sous le titre Taiko Drum Master, et la série Taiko continue d’avoir de nouveaux opus, notamment sur consoles actuelles.

Enfin, citons Vib-Ribbon (NanaOn-Sha, 1999 sur PlayStation) qui illustre l’approche artistique du genre. Ce jeu atypique à l’esthétique minimaliste en fil de fer vectoriel propose de guider un petit personnage le long d’un ruban parcouru d’obstacles générés par la musique. Particularité remarquable : le joueur peut insérer ses propres CD audio pour créer des niveaux uniques basés sur n’importe quelle chanson. Bien que Vib-Ribbon ait été salué pour son originalité, ses graphismes très épurés ont rendu sa commercialisation difficile et le titre n’est jamais sorti en Amérique du Nord.

En résumé, à la fin des années 90, le genre des jeux musicaux est fermement établi : PaRappa the Rapper a défini un modèle sur console, Konami a développé tout un catalogue d’expériences musicales en arcade (Beatmania, DDR, GuitarFreaks, DrumMania, Pop’n Music), et d’autres éditeurs proposent des variantes innovantes (Bust A Groove, Space Channel 5, Samba de Amigo, Taiko, Vib-Ribbon). Le public découvre qu’il peut jouer de la musique en suivant le rythme, que ce soit en rappant avec un maître Kung-Fu ou en dansant frénétiquement sur un tapis interactif.

II. L’essor et la diversification du genre (2000–2004)

2.1 Nouvelles idées et succès critiques (2000–2004)

Au tournant des années 2000, les jeux de rythme gagnent en diversité sur consoles de salon. Les éditeurs explorent différents styles musicaux et modes de jeu, souvent sans recourir à de coûteux périphériques dédiés. Par exemple, Gitaroo Man (Koei/iNiS, 2001 sur PlayStation 2) met en scène un jeune héros maniant une guitare qui se transforme en arme magique. Le gameplay combine des séquences de bouton avec le stick analogique pour suivre des mélodies, le tout avec un gamepad standard. Anecdote notable : Gitaroo Man met en avant un guitariste virtuose… quatre ans avant la sortie de Guitar Hero et l’avènement des guitares en plastique, mais sans nécessiter d’accessoire spécialisé. Malgré d’excellents retours critiques pour son style et sa bande-son, Gitaroo Man reste un succès d’estime en raison d’une distribution limitée hors du Japon.

Un autre acteur majeur entre en scène : le studio américain Harmonix, fondé en 1995 par des passionnés de musique au MIT. Harmonix se lance dans le sillage de PaRappa pour créer des jeux musicaux originaux sur PlayStation 2. Leur premier titre, Frequency (2001), propose au joueur de remixer des morceaux électroniques en activant tour à tour différentes pistes instrumentales (batterie, basse, synthé, etc.) dans un tunnel futuriste. Frequency offre un sentiment de créativité inédit, en laissant le joueur « jouer » chaque partie de la chanson, ce qui lui valut des critiques excellentes. Cependant, son esthétique abstraite et futuriste (notes représentées par des capsules dans un cylindre virtuel) le rendait moins accessible pour le grand public. Harmonix enchaîne avec Amplitude (2003), une suite aux visuels affinés, tout en conservant le principe de mixage multi-pistes. Bien que ces jeux aient un public restreint, ils posent les bases du savoir-faire d’Harmonix en matière de gameplay rythmique intuitif.

En parallèle, le jeu musical investit le territoire du karaoké. Konami et Harmonix collaborent pour lancer Karaoke Revolution (2003), où le joueur chante dans un microphone et est noté sur sa justesse. Le karaoké interactif devient rapidement populaire en soirée. La même année, Nintendo et Namco s’associent pour sortir Donkey Konga (2003 sur GameCube), un jeu de rythme convivial vendu avec une paire de bongos en plastique. Le joueur tape sur les tambours et applaudit en rythme sur des musiques connues, dans l’univers coloré de Donkey Kong. Ce titre familial connaît un succès notable, porté par la force de la marque Nintendo. Donkey Konga démontre qu’avec un accessoire simple et un concept festif, le jeu musical peut toucher un très large public, notamment les enfants et joueurs occasionnels.

Du côté de Sega, après Space Channel 5, Tetsuya Mizuguchi réalise Rez (2001, Dreamcast/PS2). Bien que Rez soit davantage un shoot ’em up musical qu’un jeu de rythme classique, il mérite mention pour son approche synesthésique : chaque action du joueur produit un son qui s’intègre dans la musique techno du niveau, créant une expérience audiovisuelle immersive. Rez devient une référence culte pour son ambiance unique, préfigurant le mélange entre jeu d’action et musique que l’on retrouvera plus tard dans des titres indépendants.

Pendant cette période, les jeux musicaux conquièrent aussi le public occidental de plus en plus. Si Dance Dance Revolution continue ses itérations annuelles (arcade et PlayStation) et gagne un public de fans en Amérique du Nord et en Europe, d’autres styles émergent. Amplitude et Karaoke Revolution trouvent un écho chez les joueurs mélomanes. De son côté, Sony Europe lance SingStar (London Studio, 2004 sur PS2), une série de jeux de karaoké avec micro centrés sur les hits pop internationaux, qui deviendra un succès massif notamment en Europe grâce à sa formule accessible et son marketing ciblé.

2.2 L’arrivée du rythme sur consoles portables

Le milieu des années 2000 voit l’essor des consoles portables (Game Boy Advance, Nintendo DS, PSP), et avec lui l’adaptation du jeu musical à ces supports. Nintendo frappe fort avec Rhythm Tengoku (Nintendo SPD, 2006 sur Game Boy Advance, inédit hors du Japon, connu plus tard sous le nom Rhythm Heaven). Ce jeu en 2D propose une compilation de mini-jeux musicaux délirants où il faut, par exemple, taper des coups de tambourin en rythme ou aider des samouraïs à trancher des objets au tempo. Rhythm Tengoku se joue uniquement avec quelques boutons, prouvant qu’un game design astucieux peut véhiculer le sens du rythme sans accessoire coûteux. La série Rhythm Heaven deviendra un pilier du genre sur les portables Nintendo DS (2008) puis 3DS (2012), plébiscitée pour son humour et son gameplay addictif.

Sur Nintendo DS justement, un jeu de rythme atypique va conquérir les joueurs du monde entier : Osu! Tatakae! Ouendan (iNiS, 2005, Japon). Basé sur l’écran tactile, Ouendan met en scène une troupe de pom-pom boys japonais qui motivent les gens en difficulté à travers des chansons J-pop entraînantes. Le joueur doit taper et glisser le stylet sur l’écran au rythme des indications. Le concept loufoque et le gameplay tactile précis séduisent même hors du Japon, au point que Nintendo commande à iNiS une version occidentale avec des musiques internationales : ce sera Elite Beat Agents (2006, DS), considéré comme l’un des jeux de rythme les plus réussis de la console. Ouendan et EBA deviennent cultes, et une suite japonaise Moero! Nekketsu Rhythm Damashii (Ouendan 2) sortira en 2007.

La PlayStation Portable (PSP) n’est pas en reste. Outre des portages de Dance Dance Revolution avec tapis de danse miniatures, elle accueille Patapon (SIE Japan Studio, 2007), qui mélange stratégie et rythme : le joueur conduit une tribu de petits guerriers en tambourinant des séquences de tambour avec les boutons, les incitant à marcher, attaquer ou défendre en cadence. Patapon est salué pour avoir marié la musique au gameplay tactique, et deviendra une trilogie sur PSP. Mais surtout, la PSP voit naître en 2009 un phénomène venu du Japon : Hatsune Miku: Project DIVA (Sega/Crypton Future Media). Cette série met en scène la pop-star virtuelle Hatsune Miku (une chanteuse synthétique Vocaloid très populaire) dans des jeux de rythme où le joueur doit appuyer en rythme sur les boutons correspondant aux symboles qui fusent à l’écran, sur fond de clips en 3D de Miku et ses amis. Project DIVA (2009) est un énorme succès au Japon, capitalisant sur la ferveur des fans de Vocaloid. Il lance la tendance des jeux de rythme à idoles virtuelles, bientôt rejoints par d’autres licences d’“idol games” sur consoles et mobiles (nous y reviendrons). Sega continuera d’éditer de nombreux opus Project DIVA sur PSP, PS3, PS4, Switch, ainsi que des versions arcade, satisfaisant un large public d’otakus mélomanes.

2.3 Diversification des expériences et nouveaux publics

Durant cette première moitié des années 2000, le jeu musical s’adresse à des publics variés. Les amateurs d’arcade peuvent toujours s’essayer aux nouveautés de Konami (par ex. Dance Maniax en 2000 avec des capteurs de mouvements pour les mains, ou Keyboardmania simulant un synthétiseur). Les fans de rock découvrent quelques titres avant-gardistes, comme Frequency/Amplitude d’Harmonix. Les adeptes de culture pop japonaise profitent de jeux sur portables. Le grand public familial est aussi ciblé : outre SingStar et Donkey Konga déjà évoqués, mentionnons EyeToy: Groove (2003, PS2) qui utilise la caméra EyeToy pour faire danser le joueur devant sa télé, préfigurant les jeux de danse à capture de mouvement.

C’est également l’époque où les jeux musicaux investissent le créneau du party game multijoueur. Plusieurs titres permettent à 2 joueurs ou plus de s’affronter ou de jouer en coopération. Par exemple, Donkey Konga jouable jusqu’à 4 bongos crée de mémorables joutes musicales en salon. Karaoke Revolution intègre des duels de chant. Même Dance Dance Revolution propose des modes en double sur deux tapis. Tout ceci contribue à populariser les jeux de rythme comme des activités sociales et festives.

Enfin, en 2004, un jeu va préparer le terrain pour la grande révolution à venir : Bemani de Konami tente timidement d’introduire la guitare en Occident via Beatmania sur PlayStation 2 (2006, pack comprenant un mini-contrôleur DJ), mais c’est un échec. En réalité, c’est un outsider qui va bientôt relancer complètement le genre musical en Occident… avec une guitare électrique factice à la main.

III. L’âge d’or des instruments en plastique (2005–2009)

3.1 Guitar Hero : le phénomène rock

En 2005, le studio Harmonix, jusqu’alors connu des seuls initiés, s’associe à un petit éditeur nommé RedOctane pour lancer un projet audacieux : Guitar Hero sur PlayStation 2. Le concept s’inspire ouvertement du jeu d’arcade japonais GuitarFreaks de Konami, mais cette fois adapté aux goûts occidentaux. Le jeu est vendu en bundle avec un contrôleur guitare en plastique munie de cinq frettes colorées et d’une barre à gratter. Surtout, Guitar Hero propose une bande-son rock/metal emblématique des années 70-2000, là où GuitarFreaks proposait essentiellement de la J-pop. Le pari s’avère gagnant au-delà de toute attente : Guitar Hero devient un phénomène de société, réveillant un genre musical qui commençait à stagner sous le poids des suites de DDR et autres clones. Le jeu remporte d’innombrables récompenses et génère des suites annuelles toujours plus populaires.

Les chiffres témoignent de l’ampleur de ce succès : la franchise Guitar Hero va engendrer en seulement quelques années plus d’1 milliard de dollars de chiffre d’affaires. Guitar Hero II (2006) confirme la popularité de la série en ajoutant un mode deux joueurs (guitare rythmique/basse en soutien de la guitare lead). Mais c’est avec Guitar Hero III: Legends of Rock (2007) que la marque atteint son apogée : cet opus devient le jeu le plus vendu de l’année 2007 en Amérique du Nord, franchissant même un record symbolique de 1 milliard de dollars de revenus à lui seul sur la durée, un exploit alors inédit pour un jeu vidéo. Guitar Hero a réussi à élargir massivement la démographie des joueurs, touchant des tranches d’âge variées et de nombreux non-joueurs attirés par la musique rock qu’ils aiment. En 2008, au pic de la “guitar mania”, les jeux musicaux représenteront jusqu’à 18 % du marché total du jeu vidéo et deviendront le deuxième genre le plus populaire aux États-Unis derrière les jeux d’action. À cette période, plus de la moitié des joueurs de jeux musicaux sont des femmes, preuve que le genre a su conquérir un public nouveau pour l’industrie du jeu. Les soirées Guitar Hero s’organisent partout, et la culture populaire s’empare du phénomène (on voit des guitares en plastique dans des séries TV, des compétitions locales, etc.).

Derrière ce raz-de-marée, on trouve aussi une convergence d’intérêts entre le jeu vidéo et l’industrie musicale. Les morceaux choisis (parfois ré-enregistrés ou remixés) gagnent en popularité grâce au jeu, stimulant les ventes de musique correspondantes. Des artistes notables, autrefois inconnus du jeune public, deviennent cultes après avoir figuré dans Guitar Hero (par exemple, le titre ultra-difficile “Through the Fire and Flames” du groupe DragonForce, présent dans GH3, acquiert un statut légendaire auprès des joueurs). Les éditeurs ne tardent pas à monétiser ce filon en vendant des packs de chansons additionnelles en téléchargement, générant des revenus supplémentaires considérables. Des éditions spéciales de Guitar Hero centrées sur un seul groupe voient même le jour (GH: Aerosmith en 2008, GH: Metallica en 2009, etc.), contribuant à diversifier l’offre et à attirer les fans de ces groupes. En quelques années, Guitar Hero a démocratisé la pratique du jeu musical en groupe et transformé le joueur lambda en rockstar du salon.

3.2 Rock Band : la guerre des jeux musicaux

Au faîte du succès de Guitar Hero, un bouleversement intervient en coulisses : le studio Harmonix, créateur de la série, est racheté fin 2006 par MTV/Viacom. Dans le même temps, l’éditeur Activision acquiert RedOctane (qui détenait les droits de Guitar Hero). Incapable de continuer sur GH, Harmonix décide alors de lancer sa propre franchise musicale concurrente, avec le soutien d’MTV Games et d’Electronic Arts. C’est ainsi qu’en fin 2007 sort Rock Band, en plein milieu de la vague Guitar Hero.

Rock Band pousse le concept plus loin en proposant de former un groupe complet : le jeu introduit en plus de la guitare une basse (ou deuxième guitare), une batterie électronique à quatre pads + pédale, et un microphone pour chanter. Jusqu’à quatre joueurs peuvent donc jouer ensemble, reproduisant la configuration d’un vrai band. Ce saut ambitieux dans l’immersion musicale est un carton critique et commercial. Rock Band s’impose rapidement comme un sérieux concurrent à Guitar Hero, en particulier sur le segment du jeu à plusieurs en local. La franchise Rock Band génère elle aussi plus d’un milliard de dollars de revenus en quelques années. Harmonix soigne notamment le suivi du jeu par un catalogue gigantesque de chansons additionnelles téléchargeables (plus de 2000 titres au total seront rendus disponibles), ce qui fidélise une communauté de joueurs musiciens assidus.

Face à Rock Band, Activision (qui confie désormais le développement de Guitar Hero à Neversoft) réagit vite. En 2008 sort Guitar Hero World Tour, qui intègre à son tour une batterie et un micro, calquant la formule du « jeu de groupe ». La bataille Guitar Hero vs Rock Band fait rage. Chaque camp multiplie les titres et déclinaisons : Activision sort GH 5, Band Hero (version plus grand public orientée pop), DJ Hero (spin-off à la platine de DJ en 2009), tandis qu’Harmonix propose Rock Band 2 (2008), puis des éditions thématiques comme The Beatles: Rock Band (2009) qui reçoit un accueil dithyrambique de la critique.

Cette rivalité se déroule aussi sur le terrain judiciaire et des brevets. Konami, détenteur de plusieurs brevets sur les jeux à instruments (hérités de son expérience Bemani), intente en 2008 un procès à Harmonix et Viacom, affirmant que Rock Band enfreint ses brevets de guitare et batterie électroniques. (Activision, de son côté, avait pris soin de signer un accord de licence avec Konami pour Guitar Hero.) Le litige Harmonix/Konami se soldera par un arrangement à l’amiable en 2010 sans détails publics, chaque partie abandonnant ses poursuites. Par ailleurs, la célèbre marque de guitares Gibson avait aussi attaqué Viacom, prétendant que Rock Band violait un de ses brevets de simulation musicale – un dossier finalement classé sans suite. Ces épisodes illustrent l’intensité de la compétition autour du marché juteux des jeux musicaux en 2008–2009.

Sur le terrain commercial, Guitar Hero conserve l’avantage des ventes grâce à son nom déjà bien établi, mais Rock Band grignote une part significative de la base de joueurs, notamment chez les plus passionnés qui apprécient son catalogue de chansons plus orienté rock classique/indé et son esprit communautaire. Il est fréquent de voir cohabiter à la même période plusieurs jeux musicaux : ainsi en 2009, Activision publie pas moins de cinq titres (GH Metallica, GH 5, Band Hero, DJ Hero, GH Smash Hits), tandis qu’Harmonix en sort deux (The Beatles: Rock Band et Lego Rock Band destiné aux plus jeunes). Cette prolifération témoigne de l’engouement toujours fort, mais elle porte en germe les signes d’une saturation du marché.

3.3 Apogée et premiers signes de saturation

L’année 2008 peut être vue comme le sommet de l’âge d’or des jeux musicaux : chiffre d’affaires record, présence médiatique forte, public élargi. Pourtant, dès 2009, certains voyants passent à l’orange. Les ventes totales de jeux musicaux commencent à fléchir par rapport à l’année précédente. Plusieurs facteurs sont avancés pour expliquer ce ralentissement. D’une part, la base d’équipement en instruments arrive à maturité : beaucoup de joueurs ont déjà acheté une voire plusieurs guitares, une batterie, etc., et n’ont pas besoin d’en racheter à chaque nouvel opus. La motivation pour payer le prix fort d’un énième pack complet diminue, d’autant plus que les nouveaux jeux restent compatibles avec les périphériques existants. D’autre part, la crise économique de 2008-2009 affecte le pouvoir d’achat du public et freine la vente de ces jeux vendus en bundle relativement onéreux (parfois plus de 150 € pour un pack complet). Alex Rigopulos, CEO d’Harmonix, note qu’à cette époque Rock Band et Guitar Hero figuraient parmi les jeux les plus chers du marché, ce qui a pu représenter un frein en pleine récession.

Surtout, le public commence à ressentir une lassitude : les mécaniques de jeu n’ont que peu évolué d’un épisode à l’autre, rendant les suites moins indispensables. On reproche aux éditeurs de recycler le concept sans innovations majeures, hormis de nouvelles chansons. Cette stagnation créative, combinée à l’inflation du nombre de titres (et de périphériques), entraîne une baisse de l’engouement. L’agressivité de la concurrence entre Activision et Harmonix est également pointée du doigt : les deux séries se disputaient les licences musicales et la visibilité en partant du postulat que « le marché ne pouvait soutenir qu’une seule franchise », ce qui a mené à une course effrénée plutôt qu’à une coopération – une situation néfaste d’après Rigopulos.

Des indicateurs financiers confirment le retournement de tendance. Aux États-Unis, les revenus des jeux de musique (incluant ventes de jeux et d’accessoires) passent d’environ 1,47 milliard de dollars en 2008 à seulement 700 millions en 2009 – soit une chute de plus de 50 % en un an. Un analyste de Wedbush Securities estime même que l’effondrement du segment des jeux musicaux a contribué pour un tiers à la baisse globale de 12 % des ventes de jeux vidéo en 2009. Les projections pour 2010 ne sont guère meilleures, on anticipe un atterrissage vers un niveau « sain » de 500–600 millions $ par an, loin du pic du boom.

Les éditeurs prennent conscience de cette saturation. Activision, qui avait lancé une véritable avalanche de titres en 2009, réduit drastiquement la voilure en 2010 : on passe de 25 SKU (references produits) différentes en 2009 (toutes versions et bundles confondus) à seulement 10 en 2010. Seuls Guitar Hero: Warriors of Rock (GH6) et DJ Hero 2 sont prévus, en plus de quelques déclinaisons régionales. L’éditeur ferme même des studios internes liés à la franchise : RedOctane est dissous, Neversoft arrête le développement de Guitar Hero après GH6, et d’autres projets sont annulés. Chez Viacom, la déception liée aux ventes de The Beatles: Rock Band (inférieures aux attentes) incite la maison-mère à chercher un repreneur pour Harmonix dès fin 2009. Viacom ira jusqu’à demander un remboursement partiel des 150 millions $ qu’elle avait versés lors du rachat du studio, signe de la déconvenue financière après l’embellie de 2007–2008. En fin 2010, Harmonix sera finalement revendu à un fonds d’investissement, actant la fin de l’ère MTV Games.

La fin de 2009 et l’année 2010 voient donc le soufflé retomber. Quelques innovations tardives apparaissent néanmoins dans une tentative de relancer l’intérêt : Rock Band 3 (2010) introduit un clavier électronique complet en tant que nouvel instrument et surtout un “mode Pro” pour guitare, basse et batterie, visant à apprendre aux joueurs de véritables techniques de musique. Harmonix s’associe avec Fender pour créer la Mustang Pro, une guitare à mi-chemin entre jouet et véritable instrument, dotée de 102 boutons simulant des frettes sur 17 cases de manche, afin de permettre un apprentissage des accords et notes réelles. En parallèle, une start-up, Seven45, lance Power Gig: Rise of the SixString (2010) accompagné d’une guitare à cordes fonctionnelle, promettant de mêler jeu et vraie guitare. Hélas, ces initiatives arrivent trop tard sur un marché déjà exsangue. Guitar Hero: Warriors of Rock (sept. 2010) et DJ Hero 2 (oct. 2010) réalisent des démarrages calamiteux, avec seulement ~86 000 et ~59 000 ventes en première semaine aux USA respectivement – à peine 5 % des chiffres qu’atteignait GH III deux ans plus tôt. Sur l’ensemble de 2010, les ventes de jeux musicaux aux États-Unis peinent à dépasser 300 millions $, soit à peine 20 % de ce qu’elles étaient deux ans auparavant.

En février 2011, le couperet tombe : Activision annonce la mise en pause indéfinie de la franchise Guitar Hero et la dissolution de l’équipe de développement correspondante. Le cycle d’or des jeux à accessoires semble bel et bien terminé. Les analystes prédisent alors que le marché des jeux à instruments restera en sommeil pour au moins 3 à 5 ans, en attendant éventuellement un renouveau grâce à de nouveaux modèles (distribution digitale de chansons, ou arrivée de nouvelles consoles). De fait, en avril 2013, Harmonix arrêtera les sorties hebdomadaires de DLC pour Rock Band, signant symboliquement la fin d’une époque.

En résumé de cette période 2005–2009 : le jeu musical a atteint des sommets avec Guitar Hero et Rock Band, devenant un produit de masse et générant une manne financière considérable. Mais l’exploitation intensive du filon, l’absence d’évolution majeure du gameplay et la saturation du public ont conduit à un effondrement presque aussi rapide que la montée en popularité l’avait été.

IV. Déclin, transition et nouvelles formes (2010–2025)

4.1 Essoufflement et transition du marché (2010–2015)

Après l’arrêt brutal des grandes licences en 2010-2011, le genre des jeux musicaux connaît quelques années de relatif silence dans le circuit commercial mainstream. Les éditeurs majeurs, échaudés, se montrent frileux. Quelques tentatives de maintenir la flamme ont lieu, mais souvent dans des créneaux plus modestes. Par exemple, Ubisoft sort en 2011 Rocksmith, une simulation de guitare audacieuse où l’accessoire n’est autre qu’une véritable guitare électrique branchée via un câble jack USB. Le jeu propose un apprentissage progressif de la guitare en détectant les notes jouées par le musicien. Si l’idée est saluée (apprendre la vraie guitare en s’amusant sur des morceaux connus), Rocksmith reste un produit de niche pour musiciens motivés, loin du grand public qui s’amusait sur Guitar Hero.

En réalité, à partir de 2010, le relais du jeu musical grand public est pris par un autre sous-genre en plein boom : les jeux de danse via capture de mouvement. En 2009, Ubisoft lance Just Dance sur Wii, un jeu sans accessoire spécifique si ce n’est la Wiimote tenue à la main, qui invite à reproduire des chorégraphies entières sur des tubes pop. Malgré des critiques tièdes à sa sortie, Just Dance devient un succès surprise, porté par l’accessibilité de la Wii et l’attrait de se trémousser en soirée. Le jeu se vend mieux que certains blockbusters traditionnels, au point de détrôner Call of Duty: Modern Warfare 2 dans les charts de fin 2009 sur Wii. La vague Just Dance prend de l’ampleur et Ubisoft en fait une série annuelle qui perdure encore aujourd’hui, engrangeant des millions de ventes notamment sur Wii puis sur Switch. De son côté, Harmonix rebondit avec Dance Central (2010) lors du lancement du capteur Kinect sur Xbox 360. Ce jeu utilise la détection de mouvements du corps entier pour évaluer le danseur, offrant une précision supérieure à Just Dance. Dance Central devient le jeu le plus vendu du lancement de Kinect, contribuant à relancer brièvement les profits d’Harmonix en 2011 grâce à la danse et à ses DLC.

Ces jeux de danse apportent un second souffle au genre musical, en s’affranchissant des instruments encombrants au profit d’un simple gameplay gestuel. Le public visé est plus jeune et familial, dans un contexte où la musique pop dominée par des stars de la danse (Michael Jackson, qui aura son jeu The Experience en 2010, ou plus tard des titres comme Just Dance: Disney Party) est très en vogue. On assiste donc à une mutation : le focus se déplace des rockeurs aux danseurs. Néanmoins, certains considèrent les jeux de danse comme un genre à part, dérivé du jeu musical. Quoi qu’il en soit, ils évitent l’écueil du coût matériel : plus de guitare ou batterie à fabriquer, les contrôleurs de mouvement génériques (Wiimote, Kinect, PS Move) suffisent.

Pendant la première moitié des années 2010, les jeux à périphériques instrumentaux sont quasiment absents des rayons. Rock Band 3 (2010) a été le dernier volet “classique” pour un temps, et aucune suite majeure de Guitar Hero n’est sortie après 2010. Le karaoké, lui, survit modestement via quelques licences : SingStar continue sur PS3 avec des volets téléchargeables, et une nouvelle série Let’s Sing (Voxler/Koch Media) apparaît en 2012, offrant annuellement une sélection de hits à chanter (notamment en français pour l’édition Let’s Sing France). Ces jeux de chant utilisent de simples micros USB et visent un public casual, maintenant le genre en vie à échelle réduite.

4.2 Un renouveau par l’indépendant et le numérique (2014–2018)

Aux alentours de 2014, des signaux indiquent un frémissement du côté de la scène indépendante et d’initiatives originales. Plusieurs développeurs indie s’approprient les mécaniques de rythme pour les fusionner avec d’autres genres, créant des ovnis vidéoludiques. Par exemple, Crypt of the NecroDancer (Brace Yourself Games, 2014) transpose le concept dans un roguelike : le joueur explore des donjons dont les monstres bougent à la pulsation de la musique, et doit synchroniser ses déplacements et attaques sur le tempo pour vaincre. Le jeu est acclamé pour son mélange inédit de dungeon crawler et de DDR musical. De même, Jungle Rumble (2014) propose un gameplay de stratégie en temps réel contrôlé par des percussions sur l’écran tactile – chaque rythme correspond à une action (avancer, attaquer) de vos singes guerriers.

Ces expérimentations montrent que le rythme peut s’inviter dans des genres variés. Une autre tendance est la résurgence des projets portés par les communautés de fans. Amplitude, le hit d’Harmonix de 2003, fait l’objet d’un financement participatif réussi via Kickstarter en 2014, permettant de développer un remake HD qui sortira en 2015 sur PS3/PS4. Cela prouve que, malgré la retraite des grands éditeurs, une base de joueurs fidèles est prête à soutenir des jeux musicaux de niche.

C’est dans ce contexte que, contre toute attente, les deux géants endormis du genre annoncent leur retour en 2015. Harmonix dévoile Rock Band 4, conçu comme un “plateforme évolutive” sur PS4/Xbox One : le jeu de base sort fin 2015 avec compatibilité des anciens instruments et promet des mises à jour régulières plutôt que des suites annuelles, afin de reconstruire progressivement une communauté. Presque simultanément, Activision tente un comeback avec Guitar Hero Live (2015), une refonte radicale de la série : nouvelle guitare à 6 touches (deux rangées de 3 pour simuler des accords), et un gameplay présenté en live action à la première personne – le joueur voit un véritable public et groupe sur scène en vidéo, réagissant à sa performance pour une immersion accrue. GH Live introduit aussi un mode GHTV avec des clips musicaux diffusés en continu sur lesquels on joue en streaming.

Malheureusement, ces retours ne rencontreront qu’un succès modéré. Rock Band 4 satisfait les fans de la première heure mais reste confidentiel en ventes, faute d’avoir su rallier de nouveaux joueurs (et sans la puissance marketing d’antan, Harmonix étant alors un petit studio indépendant). Guitar Hero Live, malgré son audace, souffre d’une playlist moins attrayante et d’un support qui sera vite abandonné par Activision après des résultats en deçà des attentes. En 2016, Activision fermera le studio FreeStyleGames qui avait développé GH Live, signant la fin de cette tentative de relance.

Heureusement, une nouvelle plateforme va redonner un souffle inattendu au jeu musical : la réalité virtuelle (VR). À partir de 2016-2017, la VR domestique (casques Oculus Rift, HTC Vive, PlayStation VR) ouvre la porte à des expériences rythmiques inédites, exploitant l’immersion totale et le tracking de mouvements précis. Un titre va particulièrement tirer son épingle du jeu : Beat Saber (Beat Games, 2018). Dans ce jeu en VR, le joueur manie deux sabres lasers pour trancher des cubes en rythme qui arrivent sur lui, le tout sur une musique électronique entraînante. Beat Saber est souvent décrit comme un croisement entre Guitar Hero et Fruit Ninja, en VR. Son succès est fulgurant : il devient le jeu VR le mieux noté et le plus vendu sur Steam dès sa sortie. En quelques mois, Beat Saber dépasse les 4 millions d’exemplaires vendus (chiffre extraordinaire pour un jeu VR) et s’impose comme la nouvelle référence du jeu de rythme, toutes plateformes confondues. Il réussit là où Rock Band 4 et GH Live avaient échoué : attirer un nouveau public, en modernisant la formule du jeu musical via une technologie innovante. Son gameplay intuitif (tout le monde sait agiter des sabres en rythme instinctivement) et son aspect sportif amusent autant les joueurs occasionnels que les hardcore gamers. Microsoft, Meta (Facebook) et Sony mettent en avant Beat Saber pour promouvoir leurs casques VR respectifs.

D’autres jeux hybrides émergent durant la vague VR : Thumper (Drool, 2016) par exemple, se présente comme un jeu de « rhythm violence » où l’on guide un coléoptère métallique sur des rails en affrontant une entité maléfique, le tout sur une musique industrielle angoissante. Son gameplay est brutal et rythmique, faisant du joueur autant un acteur qu’un percussionniste. Thumper sort sur écran et en VR, salué pour son intensité unique. Par ailleurs, Harmonix tente une incursion dans la VR avec Rock Band VR (2017), transformant l’expérience guitare en une simulation de concert à la première personne, mais l’impact reste limité. En 2019, Harmonix explore aussi un concept de FPS rythmique avec Audica, où l’on tire sur des cibles en musique dans un casque VR – concept repris de manière plus aboutie par Pistol Whip (Cloudhead Games, 2019) et plus tard BPM: Bullets Per Minute (2020) et Metal: Hellsinger (2022), qui mêlent habilement tirs et metal endiablé.

4.3 Un genre de niche vivant, entre stagnation et potentiel renouveau (2019–2025)

Arrivés aux années 2020, les jeux musicaux ne sont plus le mastodonte qu’ils furent en 2008, mais le genre s’est stabilisé dans une niche active. Du côté des titres mainstream grand public, on trouve essentiellement les jeux de chant et de danse qui sortent annuellement : Just Dance d’Ubisoft continue de rythmer les salons (avec un mode en ligne et une communauté de danseurs), et Let’s Sing propose chaque année sa sélection de chansons (par exemple Let’s Sing 2023 avec des hits contemporains et classiques). Ces titres évoluent peu d’une année sur l’autre, ce qui fait dire à certains que le genre musical stagne, se contentant de mises à jour de contenu sans innovation de gameplay.

Néanmoins, quelques sorties ponctuelles montrent qu’il y a toujours de la place pour la créativité musicale. En 2020, Harmonix (encore eux !) tente avec Fuser de ressusciter le jeu de DJ sans accessoire : c’est un jeu de mix où l’on combine en temps réel des morceaux a capella, des lignes de basse, des beats de différentes chansons pour en faire un mashup cohérent. Malgré des critiques positives, Fuser ne trouve pas son public et ses serveurs fermeront en 2022 faute de joueurs. En 2021, Harmonix est racheté par Epic Games, signe que les compétences en jeux musicaux intéressent toujours les grands acteurs. Epic chargera Harmonix de créer des expériences musicales au sein de Fortnite, notamment le mode Festival sorti en 2023, où les joueurs peuvent interagir avec des mécaniques rappelant Rock Band lors d’événements virtuels dans Fortnite.

Au Japon, les arcades bien qu’en déclin continuent d’accueillir de nouveaux jeux de rythme très spécialisés, attirant une communauté de passionnés. Konami a même relancé la série DDR en Occident avec Dance Dance Revolution A en 2016, signe que la danse sur pad a toujours ses adeptes. D’autres séries nippones perdurent ou reviennent : Taiko no Tatsujin connaît de nouveaux épisodes sur Switch et PS4 (et une exportation en Occident de plus en plus fréquente), Groove Coaster (Taito) ou maimai (Sega) offrent de l’innovation dans les salles d’arcade avec des interfaces tactiles ou circulaires.

Les jeux musicaux sur mobile constituent également un pan désormais essentiel du genre (voir l’Annexe pour plus de détails). Nombre de licences d’idols ou d’anime proposent des jeux de rythme free-to-play sur iOS/Android qui attirent des millions de joueurs (ex : Love Live! School Idol Festival, BanG Dream! Girls Band Party, Ensemble Stars). Ces jeux, souvent orientés vers un public d’adolescents, reposent sur un modèle économique gacha (collection de cartes de personnages) combiné à un gameplay de rythme tactile. Si leur approche “mobile” est différente du jeu musical classique (sessions courtes, forte composante collection), ils n’en témoignent pas moins de la popularité persistante du mariage entre musique et interaction ludique.

Enfin, la communauté en ligne maintient vivace les anciennes gloires : StepMania (simulateur open-source de DDR) et Clone Hero (clone gratuit de Guitar Hero sur PC) rassemblent des milliers de fans qui créent et partagent de nouvelles chansons, prolongant indéfiniment la durée de vie de ces jeux. Des contrôleurs personnalisés sont bricolés, et des compétitions de haut niveau existent toujours (par exemple des tournois de DDR qui, 20 ans après, sont même diffusés en streaming).

En termes d’innovation, beaucoup espèrent un renouveau technologique : la réalité virtuelle a montré un potentiel avec Beat Saber, mais au-delà, on peut imaginer l’avenir des jeux musicaux dans la réalité augmentée, ou exploitant les capteurs de mouvement de façon encore plus transparente (peut-être que de futurs capteurs de guitare sans fil ou des gants tactiles pourraient un jour redonner envie de jouer de la musique virtuellement). Pour l’instant, le marché reste de niche, mais fidèle.

Pour conclure, les jeux musicaux ont traversé un cycle complet : nés d’expérimentations dans les années 90, explosant en phénomène mondial dans les années 2000, puis s’éteignant presque avant de muter et de renaître sous d’autres formes. Leur impact culturel demeure tangible : ils ont fait découvrir des chansons et des artistes à un large public, démocratisé la pratique ludique de la musique à des millions de personnes, et même encouragé certains joueurs à apprendre d’un “vrai” instrument (beaucoup de musiciens amateurs d’aujourd’hui citent Guitar Hero comme déclencheur de leur passion, ou DDR comme un vecteur d’exercice physique ludique). Si le marché de masse n’est plus ce qu’il était, l’héritage des jeux de rythme se perpétue à travers ces communautés actives et l’influence durable qu’ils ont eue sur la relation entre jeu vidéo et musique.

V. Principaux acteurs et studios du jeu musical

L’histoire des jeux musicaux a été marquée par plusieurs studios et éditeurs clés dont voici un panorama :

• Konami (Japon) – Pionnier absolu avec sa division Bemani. Konami a créé Beatmania, Dance Dance Revolution, GuitarFreaks, DrumMania, Pop’n Music, etc. dans les années 1997–2000, posant les bases du genre arcade. Leurs innovations en accessoires (tapis, guitares, batteries) ont influencé tous les autres. Konami a parfois défendu agressivement ses idées par des brevets et procès (contre Roxor, Andamiro, Harmonix) pour protéger son avance. Bien que moins en vue en Occident après 2010, Konami continue d’exploiter DDR et d’autres jeux musicaux au Japon, notamment sur borne arcade.
• NanaOn-Sha (Japon) – Studio de Masaya Matsuura, à qui l’on doit PaRappa the Rapper (1996) et Vib-Ribbon (1999). Le style graphique original et le gameplay novateur de PaRappa ont créé le genre sur console. Matsuura est une figure emblématique ayant prouvé qu’un jeu pouvait être de la musique interactive. Le studio a aussi réalisé Um Jammer Lammy (1999, jeu de guitare cartoon) et plus tard Tamigotchi Rhythm et autres projets moins connus.
• Harmonix Music Systems (USA) – Fondé en 1995, Harmonix a été le moteur de la popularisation du jeu musical en Occident. Après Frequency et Amplitude (2001–03) salués par la critique, le studio a conçu Guitar Hero (2005) qui a révolutionné le marché, puis la série Rock Band (2007) qui a amplifié l’expérience en groupe. Harmonix a aussi innové dans le karaoké (Karaoke Revolution, 2003) et la danse (Dance Central, 2010). Après la chute du genre, ils ont exploré la VR (Rock Band VR) et d’autres concepts (DropMix, Fuser). Rachetés successivement par Viacom (2006) puis revendus (2010) et acquis par Epic Games (2021), ils restent un acteur de référence de la music gaming.
• Activision / RedOctane / Neversoft (USA) – RedOctane était une petite société d’accessoires (connue pour des tapis DDR) qui a co-édité Guitar Hero avec Harmonix en 2005. Son rachat par Activision en 2006 a lancé la machine commerciale Guitar Hero à grande échelle. Activision a internalisé le développement chez Neversoft (Tony Hawk’s) à partir de GH3 (2007), puis multiplié les sorties jusqu’à l’essoufflement en 2009. Activision a aussi produit DJ Hero (FreeStyleGames) en 2009. Si leur rôle a été crucial pour populariser GH, ils sont souvent accusés d’avoir précipité la fin par leur stratégie aggressive de surabondance de titres. Activision a suspendu toute production de jeux musicaux de 2011 à 2015, avant l’échec de GH Live. Aujourd’hui, l’éditeur ne développe plus activement dans ce genre.
• Sega (Japon) – Acteur important notamment à l’époque Dreamcast : Sega a produit Space Channel 5 (United Game Artists) en 1999, Samba de Amigo (Sonic Team) en 1999, ainsi que des titres arcade comme maimai (où on tapote un écran circulaire) et Project Diva (voir plus bas). Tetsuya Mizuguchi, sous label Sega, a créé Rez (2001) et plus tard Lumines (2004, un puzzle game musical sur PSP). Sega a su marier musique et gameplay de façon originale, et continue via sa filiale Sega Feat. à développer les jeux Hatsune Miku: Project DIVA, très populaires au Japon.
• Namco (Japon) – On doit à Namco Taiko no Tatsujin (Taiko Drum Master) dès 2000, l’une des séries de rythme les plus durables avec des dizaines de versions arcade et console. Namco (devenu Bandai Namco) est aussi derrière The Idolm@ster (2005), au croisement du jeu de gestion d’idoles et du jeu musical, qui a engendré un vaste suivi d’animés, de musique et de spin-offs. Namco a ainsi contribué tant au jeu de rythme pur qu’à la création du phénomène des idoles virtuelles.
• iNiS (Japon) – Studio japonais de Keiichi Yano, iNiS s’est illustré avec Gitaroo Man (2001) au style décalé, puis surtout Osu! Tatakae! Ouendan (2005) et Elite Beat Agents (2006) sur DS. Leur savoir-faire dans le rythme tactile les a amenés à développer Lips (2008, un clone de SingStar pour Microsoft) et quelques autres titres. iNiS demeure dans l’histoire comme le maître des jeux de rythme sur DS, avec un culte autour de Ouendan/EBA.
• Studios périphériques et autres – D’autres entités ont contribué ponctuellement : Sony London Studio pour la série SingStar (énorme succès en Europe). Eurocom a développé DJ Hero 2. ZOE Mode s’est occupé de Disney Sing It. Ubisoft Paris a créé Just Dance (2009) et en assure le développement annuel, faisant d’Ubisoft un leader actuel du segment “grand public danse”. Brace Yourself Games (Canada) a créé Crypt of the NecroDancer prouvant que l’innovation peut venir des petits studios indés. Enfin, notons la communauté open-source : StepMania (depuis 2001) et Clone Hero (2017) tiennent un rôle pour les fans, bien qu’en dehors du circuit commercial.

VI. Impact culturel et bilan commercial des jeux musicaux

6.1 Impact sur la musique et la culture populaire

Les jeux musicaux ont eu un impact culturel notable à la fin des années 2000, notamment via Guitar Hero et Rock Band. Ces titres ont changé la façon dont une génération a découvert la musique : il n’était pas rare qu’un ado connaisse Queen, Aerosmith ou Nirvana grâce à la présence de leurs chansons dans Guitar Hero. Des morceaux parfois oubliés ont retrouvé une seconde jeunesse. Par exemple, après son inclusion dans GH, le titre “Jordan” du guitariste Buckethead – assez obscur à l’origine – est devenu un hymne pour de nombreux joueurs, de même que “Through the Fire and Flames” de DragonForce qui a gagné en notoriété internationale en étant considéré comme l’ultime défi de GH3. Du point de vue de l’industrie musicale, ces jeux ont ouvert un nouveau canal de diffusion et de revenus : labels et artistes percevaient des royalties sur l’utilisation de leurs masters dans le jeu, tout en profitant d’une exposition accrue pouvant doper les ventes d’albums. On a même vu des chansons inconnues devenir des hits sur iTunes parce qu’elles figuraient dans Rock Band ou GH. Des groupes ont sorti des packs d’albums entiers en DLC (Rock Band a proposé l’album complet Nevermind de Nirvana, Chinese Democracy des Guns N’ Roses en avant-première, etc.). Guitar Hero a été suffisamment influent pour qu’en 2008, Aerosmith déclare avoir gagné plus d’argent avec Guitar Hero: Aerosmith qu’avec la vente de leurs albums du même nom – anecdote révélatrice de l’époque.

En termes d’image, Guitar Hero et consorts ont rendu le fait de jouer d’un instrument (même factice) « cool ». Ils ont popularisé le fantasme de la rockstar auprès d’un très large public, comme en témoignent les innombrables soirées entre amis où l’on se mettait en scène dans le salon en enchaînant les solos endiablés devant un écran. Ils ont également contribué à féminiser le public du jeu vidéo musical : voir des filles exceller à la guitare ou au chant sur ces jeux a aidé à briser le stéréotype du jeu vidéo réservé aux garçons. Dance Dance Revolution, de son côté, a essaimé dans les écoles et centres de loisirs comme outil ludique de fitness. Dans plusieurs pays, DDR a été utilisé pour lutter contre la sédentarité des jeunes, certains collèges installant des tapis DDR dans les salles de sport pour les cours d’éducation physique, exploitant le côté cardio de la danse en rythme.

Les jeux musicaux ont également laissé leur empreinte dans la pop culture : on les voit apparaître dans des séries TV, des sketches, des références de films de l’époque (ex : South Park a parodié Guitar Hero dans un épisode fameux). Des compétitions officielles et records du monde ont eu lieu (le Guinness World Record du plus haut score à DDR ou GH a été médiatisé). Le terme « Guitar Hero » est même passé dans le langage courant pour désigner quelqu’un qui joue frénétiquement de la guitare imaginaire.

6.2 Héritage ludique et communautés de fans

Sur le plan commercial, après le pic où certains titres se vendaient à des millions d’exemplaires, le genre musical est revenu à des proportions modestes. Le boom 2005–2009 a rapporté des milliards, puis le crash a coûté cher aux éditeurs qui se sont retrouvés avec des stocks d’instruments invendus. On estime que fin 2009, les rayons étaient saturés et qu’il y avait plus de guitares en plastique dans les foyers américains que de vraies guitares électriques vendues sur la même période, illustrant la pénétration incroyable qu’avait eue la franchise.

En 2025, le paysage est plus fragmenté. Les ventes des Just Dance annuels restent solides (plusieurs centaines de milliers à quelques millions par an selon les plateformes, surtout sur Switch). Les Let’s Sing et équivalents trouvent preneur pendant les fêtes de fin d’année, sans faire de vagues. Les jeux de rythme japonais conservent un marché local fervent (Bandai Namco a ainsi sorti Theatrhythm Final Bar Line en 2023 sur Switch/PS4, dernier opus d’une série démarrée en 2012 autour des musiques de Final Fantasy). Beat Saber est probablement le carton le plus universel de ces dernières années : en plus de ses ventes VR, il a généré des revenus via des DLC pack d’artistes (Imagine Dragons, BTS, Linkin Park, etc.). D’autres titres VR ou indés alimentent la passion des core gamers (par exemple Osu! sur PC, un freeware inspiré d’Elite Beat Agents, compte une communauté en ligne massive où l’on s’affronte sur des chansons via des clics ultra-rapides).

L’héritage des jeux musicaux se voit aussi dans la façon dont de nombreux jeux intègrent désormais la musique dans leur gameplay. Des titres récents comme Hi-Fi Rush (2023) ou Metal: Hellsinger (2022) mélangent action et rythme, preuve que l’idée d’ajuster ses actions à la musique a infusé dans le game design moderne. Des événements in-game de jeux comme Fortnite proposent des concerts interactifs, ce qui quelque part réalise la vision qu’avait Harmonix à l’époque de Rock Band.

Enfin, il faut souligner les communautés de fans qui font vivre la scène : que ce soit les moddeurs de Clone Hero ajoutant chaque semaine des nouvelles chansons custom (allant jusqu’à inclure des morceaux improbables ou des mèmes), ou les adeptes de StepMania qui continuent de danser sur PC avec des tapis USB, ou encore les fans d’idols qui organisent des rencontres autour de Love Live! School Idol Festival, le genre musical garde une base investie. Ces communautés partagent des scores, des vidéos de performances parfaites (Full Combo), ou créent des contenus (comme des charts personnalisés).

En conclusion, les jeux musicaux ont connu une évolution en forme de sinusoïde : démarrage discret, ascension fulgurante jusqu’à devenir un phénomène culturel mondial, puis déclin marqué et reconversion en niches variées. Si l’âge d’or du plastique instrument est révolu, le rythme, lui, continue de faire vibrer le cœur des joueurs d’une manière ou d’une autre. Et nul doute qu’avec l’évolution des technologies et des goûts musicaux, une nouvelle révolution du jeu musical pourra surgir – qui sait, le prochain Guitar Hero sera peut-être un jeu en réalité augmentée où votre salon se transformera en scène de concert holographique ? En attendant ce possible renouveau, le patrimoine accumulé par plus de 25 ans de jeux musicaux reste bien vivant dans la mémoire collective et auprès de ceux qui n’ont jamais cessé de jouer en musique.

Annexe : Les jeux de rythme sur mobile

Le marché mobile a vu éclore de nombreux jeux de rythme, souvent adaptés aux contrôles tactiles et au format free-to-play. Voici un aperçu des titres mobiles les plus populaires ou influents :

• Tap Tap Revenge (Tapulous, 2008, iOS) – Pionnier du genre sur iPhone, reprenant l’esprit de Guitar Hero avec des tapotements sur l’écran. Tap Tap Revenge a été le jeu le plus téléchargé sur iPhone en 2008, accumulant 15 millions de téléchargements. Son succès a ouvert la voie aux jeux de rythme sur smartphones.
• Cytus (Rayark, 2012, iOS/Android) – Ce jeu taïwanais propose une expérience musicale intense avec une ligne temporelle qui oscille à l’écran : le joueur doit toucher les notes au moment où la ligne les traverse, sur une bande-son électro/J-pop de grande qualité. Cytus a gagné une forte communauté internationale et Rayark a enchaîné avec Deemo (2013, piano/émotion) et VOEZ (2016), devenant un studio phare du rhythm game mobile.
• Love Live! School Idol Festival (KLab, 2013, iOS/Android) – Adapté d’un anime d’idols, ce jeu mêle visual novel et niveaux de rythme où l’on tapote des cercles en rythme autour de l’écran. Sa mécanique simple mais efficace et l’attachement aux personnages ont séduit des millions de joueurs. Love Live! a popularisé le modèle des jeux de rythme gacha (tirage aléatoire de cartes de personnages/idoles), suivi par d’autres titres comme BanG Dream! Girls Band Party (Bushiroad, 2017) ou Idolmaster Cinderella Girls: Starlight Stage (Bandai Namco, 2015).
• Osu!stream (2011, iOS) – Version mobile non-officielle du célèbre Osu! sur PC, reprenant les principes d’Elite Beat Agents. Le joueur touche, glisse et maintient des cercles en rythme. Bien que moins fournie que la version PC communautaire, osu!stream a montré que le gameplay tactile d’Ouendan restait très efficace sur mobile.
• Taiko no Tatsujin Pop Tap Beat (Bandai Namco, 2020, Apple Arcade) – Transposition tactile de Taiko, où l’on tapote l’écran comme sur un tambour. De même, DDR a connu des portages mobiles (DDR S sur iPhone en 2009) sans tapis, utilisant l’écran tactile ou l’inclinaison, mais avec un succès mitigé.
• Arcaea (Lowiro, 2017) – Jeu mobile original au gameplay demandant de tapoter des notes et de suivre des notes “held” en les faisant glisser verticalement. Sa difficulté élevée et sa direction artistique soignée lui ont valu une audience de niche passionnée.
• Lanota, Dynamix, Muse Dash, Phigros – Une multitude d’autres titres indés sur mobile offrent des variations (notes à déplacer, interface circulaire, esthétique anime, etc.), témoignant de la richesse du genre sur plateformes tactiles.

Sur mobile, le jeu de rythme est souvent gratuit d’accès avec des achats in-app (pour débloquer des chansons ou obtenir des items via gacha). Les communautés de joueurs mobiles sont très actives sur les réseaux sociaux, partageant scores et astuces. Certaines licences organisent même des événements e-sport (tournois officiels de Love Live! ou Bang Dream!).

En définitive, si le mobile n’a pas recréé un phénomène de société mondial comme Guitar Hero en son temps, il assure une diffusion de la formule rythmique à grande échelle, notamment en Asie où ces jeux dominent souvent le classement des titres musicaux. C’est sur mobile également que la notion de “rhythm game idol” s’est imposée, combinant fandom d’artistes virtuels et gameplay musical. Avec l’amélioration des écrans tactiles et l’omniprésence des smartphones, le jeu de rythme s’est glissé dans la poche de millions d’utilisateurs, perpétuant la tradition de faire de la musique un jeu quotidien.

Tableau récapitulatif des grands jeux musicaux

Pour conclure, voici un tableau chronologique résumant les principaux jeux musicaux évoqués, avec leur année de sortie, développeur, plateforme et particularités de gameplay :

(Nota : Cette liste n’est pas exhaustive mais regroupe les titres les plus marquants ou représentatifs abordés dans le dossier. Elle illustre l’évolution du genre, des premières inventions jusqu’aux retours contemporains.)

Références : Les informations présentées dans ce dossier proviennent de multiples sources, notamment des archives Wikipedia sur les jeux de rythme, des articles de presse spécialisés (Wired, Destructoid, etc.), ainsi que des données de vente et d’études de marché recueillies au fil du texte.

• Blade Dancer : Lineage of Light, le test PSP
• Guitar Rock Tour, le test sur DS
• Lego Rock Band, le test Nintendo DS
• Guitar Hero On Tour, le test sur DS
• 500 000 joueurs de Kunitsu-Gami: Path of the Goddess célèbrent avec des talismans gratuits et un making-off!